Cómo piensa un ilustrador cuando ilustra?
No siempre las ilustraciones infantiles van ligadas al desarrollo de un cuento. Hay veces que queremos crear una ilustración para que acompañe un reportaje en una revista, o para un recla mo publicitario o, como en el caso que voy a explicar, para formar parte de una exposición colectiva.
En mi caso, todo empezó un día, recibien do un correo donde me invitaban a participar en una exposición colectiva en México. El proyecto consistía en juntar a 54 artistas de diferentes modalidades (diseño, fotografía, pintura, ilustración) y de diferentes países para crear un juego de cartas que se expondrá en tres galerías y se imprimirá para su distribución. Cada uno debía elegir una palabra entre 54, y esa sería su aportación particular.
Mi palabra elegida fue: MACETA.
A partir de ahí empieza la acción y empie zas a desarrollar esa idea de mil maneras diferentes. Mentalmente empiezas a descartar unas y a ir guardando en un rinconcito otras.
Piensas...siendo una carta de un juego...debe ser una ilustración muy llamativa...y automáticamente empiezas a pensar como un niño, en algo disparatado, algo espontáneo , gracioso .... y el color .... el color en este caso debería ser de un contraste muy potente, que enseguida llame la atención.
Después te centras en la palabra...MACETA (en este caso) y empiezas a bocetear macetas en diferentes posiciones. Las macetas, normalmente, van acompañadas de plantas...así que piensas: ¿qué planta pongo? y dando vueltas y más vueltas descubres que lo que más te convence es hacer una planta que está creciendo, pequeñita, muy pequeña...y automáticamente salta la chispa (una cosa siempre lleva a la otra)...Esa planta necesita agua.
Piensas ¿desde dónde puede salir agua? y se te ocurren muchas opciones, una manguera, una regadera, un embudo, una botella, un grifo, un vaso...incluso una tetera. Y al final llegas a la conclusión que lo más natural es que el agua salga de la lluvia y la lluvia caiga de las nubes....y acto seguido la das por buena.Es importante reconocer enseguida las buenas ideas y desechar con facilidad las malas o menos acertadas.
La maceta debe ser el tesoro de alguien, alguien que la mime, la proteja y se encargue de todas su necesidades... pues eso es lo que le dará el tono humano a la ilustración.
¿Quién puede ser la persona adecuada? ¿un niño, una niña, una familia?...y después de un rato te das cuenta que estás cerrando muchas puertas a la imaginación...porque... ¿por qué tiene que ser una persona? ¿ por qué no un animal o un ser inventado?... sigues haciendo bocetos y probando varias posibilidades y entonces te apartas un poco de la mesa y ves ahí abajo a tu mejor compañero, hecho una bolita, durmiendo, mi querido perro Chacho, que además es un chihuahua y siendo la exposición para México me viene perfecto. (Esto es algo muy común, muchos os sorprenderíais de la cantidad de ilustraciones de perros, gatos, conejos, etc, que son realmente las mascotas de sus ilustradores)
Teniendo el color elegido (rojo y azul), el personaje (un chihuahua), el elemento principal (la maceta) y la acción (que el perro se esfuerce de una manera graciosa por proteger y cuidar a su planta, subiendo una enorme maceta muy llamativa para que ésta alcance las gotas que caen de dos nubes) puedes decir que ya lo tienes.
Empiezas a hacer ya el dibujo definitivo y, en mi caso, a pintarlo en acrílico para después seguir complementándolo con el adobe illustrator.
Por. Marián Lario Alcover, Tarragona, Spain
profesora e ilustradora.Planos De Representación Originales
Por. Marián Lario Alcover, Tarragona, Spain
profesora e ilustradora.Ahí, en aquel cuaderno que hay encima de la mesa, nos espera un texto, ansioso para que lo ilustremos.
Mentalmente empezamos a imaginarnos los personajes, el escenario, los colores....y más tarde empiezan los bocetos....
Pero...siempre, SIEMPRE y siempre nos llega este momento, esta pregunta:
¿Con qué plano podría representar esta imagen que tengo en mi cabeza de una manera más original?
...o otras preguntas del tipo:
¿Dónde sitúo mi linea del horizonte? (es decir, ¿dónde enfocaría directamente con mis ojos?)
¿Cómo enfoco la perspectiva de este dibujo?
¿Cómo hago entender al espectador que aquello está más cerca y lo otro más lejos pero de una manera menos común a la habitual?
¿Cómo puedo lograr dirigir la mirada en la ilustración?
Hay veces que la mejor manera de contestar una pregunta es mediante las imágenes y es por esto que hoy he querido mostraos una recopilación de ilustraciones que apuestan por la originalidad en sus planos, sea de un modo u otro, y que consiguen llamar toda nuestra atención ... ha ciendo que dirijamos nuestra mirada justo donde ellos quieren
La Magia De La Fotografía
A través del arte cada cual busca liberar sus demonios particulares.
Da rienda suelta a sus preferencias, sus odios.
Desata la metáfora de su miseria interior; libera de algún modo sus extrañas pasiones, da cuerpo a sus fantasmas y terrores diurnos, recupera la vigilia con un sol extinto en el alma o con una aurora que a golpe de cuchillo se abre paso por el escenario de la piel.
La fotografía no fue siempre conside rada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato. Como el retrato fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que lucharon por que la fotografía sea considerada un arte.
A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte.
Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible lograr que la imagen por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo sufi ciente para que impresionara la película.
La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.
En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvo un gran efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística,la fotografía de Annie Leibovitz,Tina Nibbana,Helmut Newton y David LaChapelle entre otros.
Una Imagen Persuade Más Que Mil Palabras
La palabra diseño en general, es algo maravilloso, te da la libertad de expresarte de una manera tan autónoma, de forma que puedes sacar todo lo que tu alma lleva dentro. Te da la satisfacción de agradar a otros visualmente .
Uno de los componentes más emocionales de la fotografía es el estudio de la fotografía "artística".
A la gente por naturaleza le encanta una foto, o la atrae de la misma manera que la puede atraer una buena pintura o un muro, o cualquier pieza gráfica .
Pero la fotografía artística tiene la capacidad de mover a los espectadores para que no solo miren un objeto o una imagen sino que vean una emoción, una pasión, un sentimiento o un concepto que ponga en movimiento los pensa mientos así como las sensaciones dentro del individuo.
A menudo los mismos espectadores no pueden determinar exactamente qué es lo que invoca respuestas emocionales cuando el humano observa una fotografía "artística".
La diferencia de una fotografía publicitaria con una artística es simple, el arte genera emociones, sentimientos, invoca sensaciones mágicas, mientras que la finalidad de la publicidad en general es simplemente vender, el arte no busca eso, el arte busca satisfacer el alma, el ego, el corazón, pretende equilibrar las sensaciones del individuo, es un estado mas intimo mas sublime, mas relajado, mas real, libre de estereotipos, ficciones, etc, la fotografía digital es pasión que envuelve en un delicioso estado seductor tanto al fotógrafo como a quien admira la pieza gráfica.
Es vital porque ayuda a desarro llar nuestro estilo, experimentamos y podemos darle un sentido lúdico a nuestras creaciones. Será más facil introducirnos en la mente de nuestro cliente ya que atacamos la memoria.
Con una buena imagen no hacen falta las palabras, quedamos perplejos y nuestra mente hecha a volar nuestra imaginación. Nos muestra una manera distinta, las formas los colores, lo cotidia no que se transforma al ser captado por el ojo de fotógrafo. nos presenta un mundo esteticamente bello
"Fue quizás la campaña más contestada en Italia; hasta el Papa se pronunció en contra. El beso del cura y de la monja se lo tomaron como un ataque contra el celibato y las tradiciones católicas. A mí me gustó la foto por su composición y su aparente inocencia; en el fondo, no son más que dos seres humanos besándose"
Jean Michel Basquiat "De La Calle Al Estudio"
Fue la fascinación de Andy Warhol, revolucionó el establecimiento al introducir la calle y el grafitti dentro del glamuroso mundo de las galerías, y llegó más lejos: logró que un hombre negro se colara en el círculo de las artes de Estados Unidos. Lamentablemente a Jean-Michel Basquiat no le alcanzó el tiempo para lograr su sueño de ver colgado su trabajo en la meca del arte: París. Murió en 1988 por una sobredosis, fruto del desenfreno y la fama prematura. Sin embargo, a partir de ésta semana, se le rinde tributo en el Museo de Arte Moderno de París, con la exposición de 150 obras suyas bajo el elocuente nombre de "Basquiat". Jean-Michel Basquiat (22 de diciembre 1960, N.Y., E.U. – 12 de agosto 1988, N.Y., E.U.) fue el primer artista afroamericano en destacar en las artes y convertirse en una estrella. Su carrera comenzó como artista del grafiti en Nueva York, creció en el seno de una familia de inmigrantes (su mamá puertorriqueña, su papá haitiano) donde el alcoholismo y violencia estaban a la orden del día. Después de huir a los 15 años, se abalanza sobre las paredes de los edificios bajo el seudónimo SAMO, lo que atrae la atención de la renombrada revista de arte Village Voice que le dedica un extenso reportaje en 1979; sólo para verse involucrado con una banda de dizque punk rock llamada Gray donde, entre otros, también estaba el ahora actor y director de cine Vincent Gallo.
Gracias a un artículo acerca de su arte en la revista Artforum, el círculo artístico del SoHo neoyorquino lo incluyó en su movimiento neo-expresionista en 1981, y conoció, un año después, al que se convertiría en su mecenas: Andy Warhol, con quien colaboró de 1984 a 1986. De igual manera, por una breve temporada, unió fuerzas con el multifacético David Bowie. A la par de su incesante producción artística, su fama a el alza y sus nuevos amigos famosos, Basquiat comenzó una adicción a la heroína de la que nunca se recuperaría. Derivado de esto, y aunado a su bipolaridad y, después, a su depresión por la muerte de Warhol, es que sus obras reflejan violencia, amargura, alegría, soledad, ira y fastidio.
Gracias a un artículo acerca de su arte en la revista Artforum, el círculo artístico del SoHo neoyorquino lo incluyó en su movimiento neo-expresionista en 1981, y conoció, un año después, al que se convertiría en su mecenas: Andy Warhol, con quien colaboró de 1984 a 1986. De igual manera, por una breve temporada, unió fuerzas con el multifacético David Bowie. A la par de su incesante producción artística, su fama a el alza y sus nuevos amigos famosos, Basquiat comenzó una adicción a la heroína de la que nunca se recuperaría. Derivado de esto, y aunado a su bipolaridad y, después, a su depresión por la muerte de Warhol, es que sus obras reflejan violencia, amargura, alegría, soledad, ira y fastidio.
A lo largo de su breve pero intensa carrera artística realizaría más de 40 exposiciones personales y participaría en alrededor de 100 colectivas.
La autopromoción y el reclamo publicita
rio fueron para Basquiat factores priorita rios, como con anterioridad lo habían sido para Andy Warhol o para Julian Schnabel.
El neoexpresionismo se fue imponiendo al apropiacionismo, en parte gracias a la pujanza económica que elevó a altas cotas el precio del arte y, especialmente, de la pintura, y en parte gracias al apoyo de galeristas y coleccionistas.
La crítica, sin embargo, no fue uná nime en su valoración, y fue habitual la denuncia de la falta de base teórica del discurso neoexpresionista.
Se afirmó que el arte que practicaban los neoexpresionistas carecía de cual quier significado político o social, era sólo mercancía y, por tanto, objeto de los vaivenes y fluctuaciones del mercado.
La pintura neoexpresionista quedaba reducida a un producto de consumo y, como tal, a un hecho crea tivamente descalificado y vulgar.
Basquiat, quien desde 1980 hasta su muerte alcanzó un éxito y notoriedad nada comunes en la historia del arte visual, al igual que unos años antes había hecho su "padrino" Andy Warhol, se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo rutilante de Andy Warhol.
La autopromoción y el reclamo publicita
rio fueron para Basquiat factores priorita rios, como con anterioridad lo habían sido para Andy Warhol o para Julian Schnabel.
El neoexpresionismo se fue imponiendo al apropiacionismo, en parte gracias a la pujanza económica que elevó a altas cotas el precio del arte y, especialmente, de la pintura, y en parte gracias al apoyo de galeristas y coleccionistas.
La crítica, sin embargo, no fue uná nime en su valoración, y fue habitual la denuncia de la falta de base teórica del discurso neoexpresionista.
Se afirmó que el arte que practicaban los neoexpresionistas carecía de cual quier significado político o social, era sólo mercancía y, por tanto, objeto de los vaivenes y fluctuaciones del mercado.
La pintura neoexpresionista quedaba reducida a un producto de consumo y, como tal, a un hecho crea tivamente descalificado y vulgar.
Basquiat, quien desde 1980 hasta su muerte alcanzó un éxito y notoriedad nada comunes en la historia del arte visual, al igual que unos años antes había hecho su "padrino" Andy Warhol, se convirtió en prototipo del genio romántico, atractivo, rebelde, hip y salvaje y, a la vez, en el profesional ansioso de celebridad y dinero, en la última de las estrellas del universo rutilante de Andy Warhol.
Jean-Michel Basquiat muere por una sobredosis en 1988, tras varios intentos por rehabilitarse. Este año, anticipándose al que será su aniversario número cincuenta, se estrenó el documental "The radiant child" de Tamra Davis en el Festival de Cine de Sundance, el cual se suma a la película biográfica "Basquiat" (1996) de Julian Schnabel. Así mismo, la muestra de París recopila lo mejor de su obra, la cual es abiertamente política y aborda asuntos de raza y cuestiona el capitalismo de los modos más fuertes. Ejemplo de ello son las obras "Slave trade" (1982) y "Undiscovered genius of the Mississippi Delta" (1983).
Seher One "Estilo Innovador Y Fresco Del Arte Visual"
Estudiante de Diseño en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de Mé xico DF, de 24 años.
La idea principal de su trabajo es crear iluciones opticas , con el fin de establecer un juego visual entre el espectador y la obra. Lo que el llama "El abismo" al lugar de donde salen todas esas cosas, esos hoyos son portales de un lugar imaginario.
También ha inspirado su trabajo en las formas de la naturaleza, adaptándolas para mostrar imágenes que parecen habitar otras realidades. Motivos florales y todo tipo de animales son el soporte principal de su discurso.
Él es uno de los artistas más valorados en México pudiendo ver su trabajo tanto en tiendas de ropa, galerías, sitios de conciertos y museos. Puebla, Guanajuato, Querétaro, Tepito y Vancouver así como distintas publicaciones mexicanas, francesas y japonesas; han albergado la explosión de colores y figuras en las que se asienta su trabajo.
Que decir de SEHER ONE, el mejor artista contemporáneo de México en estas fechas, sus obras son magnificas y lo más importante es que son únicas, puesto que es un estilo de arte diferente al resto, algo inovador que no se ve todos los días.
La idea principal de su trabajo es crear iluciones opticas , con el fin de establecer un juego visual entre el espectador y la obra. Lo que el llama "El abismo" al lugar de donde salen todas esas cosas, esos hoyos son portales de un lugar imaginario.
También ha inspirado su trabajo en las formas de la naturaleza, adaptándolas para mostrar imágenes que parecen habitar otras realidades. Motivos florales y todo tipo de animales son el soporte principal de su discurso.
Él es uno de los artistas más valorados en México pudiendo ver su trabajo tanto en tiendas de ropa, galerías, sitios de conciertos y museos. Puebla, Guanajuato, Querétaro, Tepito y Vancouver así como distintas publicaciones mexicanas, francesas y japonesas; han albergado la explosión de colores y figuras en las que se asienta su trabajo.
Que decir de SEHER ONE, el mejor artista contemporáneo de México en estas fechas, sus obras son magnificas y lo más importante es que son únicas, puesto que es un estilo de arte diferente al resto, algo inovador que no se ve todos los días.
Mundo Monocromático "Nanami Cowdroy"
Su nombre significa Siete Mares en japonés. Nanami es una artista australiana con herencias japonesa y europea que maneja maravillosamente las técincas de pluma y tinta, muy influenciada por la mezcla de culturas de donde provie ne. Figuras curvilineas, criaturas acuáticas, y peces dorados son temas recurrentes en su obras monocromáticas.
Crecer con culturas tan contrastantes y sus alrededores, ha influido mucho en su estilo de arte y expresión creativa.
Al entrelazar personajes complejos y altamente objetos detallada sus obras reflejan una yuxtaposición entre las entidades extranjeras y familiar y el entorno.
Crecer con culturas tan contrastantes y sus alrededores, ha influido mucho en su estilo de arte y expresión creativa.
Al entrelazar personajes complejos y altamente objetos detallada sus obras reflejan una yuxtaposición entre las entidades extranjeras y familiar y el entorno.
Su imaginación se ilustra a través de obras que son elaborados y exóticos. Ella se señala a los sujetos, lo que puede en la superficie parece delicada o frágil, pero se les da la fuerza y la profundidad a través de su pluma y técnicas de tinta, el estilo de la mano ilustrativos intrincado y composiciones de técnica mixta.
Su estilo de la firma detallada refleja una paleta monocromática refinado con ‘Nanami "su nombre (que significa" Siete Mares "en japonés) estampado en rojo. Línea de fluido de trabajo, criaturas acuáticas y Goldfish son algunos de los temas de su favorito, y distintivo formas que se presentan en sus obras de arte.
Su estilo de la firma detallada refleja una paleta monocromática refinado con ‘Nanami "su nombre (que significa" Siete Mares "en japonés) estampado en rojo. Línea de fluido de trabajo, criaturas acuáticas y Goldfish son algunos de los temas de su favorito, y distintivo formas que se presentan en sus obras de arte.
El Padre Del POP ART "Andy Warhol"
Andrew Warhola; Pittsburgh, EE UU, h. 1928-Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes checos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas.
Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cual quier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.
Dicha evolución alcanzó su cota máxi ma de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.
El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática Electric chair es una de sus obras más significativas.
Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael, De Chirico, Munch o Leonardo. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento.
Este apropiacionismo, constante en los trabajos de los partidarios del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael, De Chirico, Munch o Leonardo. Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento.
Tanto por el uso del color, unas ve ces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa. Mediante la reproducción masiva consiguió despojar a los fetiches mediáticos que empleaba de sus referentes habituales,para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo.
Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.
De hecho, fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más. En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.
Siendo warhol el máximo representante y padre creador del pop art, con un concepto totalmente impactantey refrescante, algo psicodélico y fuera de los parámetros y formatos establecidos, creando y estableciendo su nombre en la historia del arte y del diseño mundial, como El Padre Del "POP ART".
Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.
De hecho, fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más. En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.
Siendo warhol el máximo representante y padre creador del pop art, con un concepto totalmente impactantey refrescante, algo psicodélico y fuera de los parámetros y formatos establecidos, creando y estableciendo su nombre en la historia del arte y del diseño mundial, como El Padre Del "POP ART".
La fotografia sin duda es uno de los mejores inventos de toda la historia ya que nos permite revivir momentos, conocer epocas o situaciones que no presenciamos, transmitir sentimientos a quienes las observan, por medio de las imagenes conocemos sobre otros mundos, otras culturas, la visión del mundo se expande.
Sería difícil imaginar el diseño gráfico sin el apoyo de la fotografía, ya que hoy en dia el mundo en el que vivimos es totalmente visual; las imágenes forman parte de nuestro modus vivendi. La fotografía es un medio que se adapta prefectamente a las necesidades que hay en el diseño.
La fotografía tiene un sin fin de varia ciones y con ellas podemos darle distintos sentidos al diseño. se le puede dar movimiento a la composición, se puede también apoyar al texto y hacerlo mas interesante, se crean texturas, provoca controversia y escandalo, que enfocados a la publicidad se pueden incrementar las ventas de un producto. Cada persona interpreta de distinta manera la poesía que se esconde en cada fotografia, llega a penetrar mucho más allá de la simple viste, toca nuestros sentimientos, nos hace recordar, revivir momentos, nos transporta.
La fotografiía y el diseño se complementan equitativamente. Cada uno le da la fuerza necesaria pra explotarse visualmente. Pueden existir por si solos sin embargo a la hora de encontrar una solución gráfica utilizando ambos medios, el resultados es mucho mas interesante.
